艺术通史 印象派

印象派

重量级来咯

1863 拿破仑三世落选者沙龙

拿破仑三世的崛起，主要依靠他叔叔拿破仑一世留下的巨大声望，即“拿破仑传奇”。

1848年革命：法国二月革命推翻了“七月王朝”。路易-拿破仑·波拿巴返回法国，并凭借其姓氏“波拿巴”的巨大号召力，以压倒性优势（约74%的选票）当选为法兰西第二共和国总统。

1851年政变：根据宪法，他四年任期结束后不能连任。1851年12月2日（这一天是他叔叔拿破仑一世加冕和奥斯特里茨大捷的纪念日），他发动军事政变，解散议会，镇压反对派。

1852年称帝：政变一年后，他通过全民公投，正式恢复帝制，建立了法兰西第二帝国（Second French Empire），自己登基成为“拿破仑三世”。

拿破仑三世最持久的功绩，是彻底重建了巴黎。

他任命乔治-欧仁·奥斯曼男爵（Baron Haussmann）主持了规模空前的“巴黎改造计划”。

目的：

卫生：解决中世纪巴黎留下的拥挤、肮脏、疾病（如霍乱）横行的问题。

交通：打通城市动脉，方便商业和交通。

军事：（一个关键的政治考量） 宽阔的林荫大道（Boulevards）取代了狭窄的旧街巷，使得军队可以快速调动和架设大炮，极难再像1830年和1848年革命那样轻易筑起街垒（Barricades）。

拿破仑三世的统治终结于一场他亲手点燃的战争。

背景：他试图阻止普鲁士（在“铁血宰相”俾斯麦领导下）统一德国，威胁法国的霸主地位。

普法战争（1870-1871）：法国准备不足，被普鲁士军队迅速击败。

色当战役（Battle of Sedan, 1870）：决定性战役。法军惨败，拿破仑三世皇帝本人（当时已重病缠身）亲率军队投降，成为战俘。

帝国终结：皇帝被俘的消息传回巴黎，两天后（1870年9月4日），巴黎爆发革命，宣布废黜皇帝，法兰西第二帝国灭亡，法兰西第三共和国成立。

1870-71 巴齐耶死在普法战争

这个词最初是用以表示侮辱。评论家路易士·勒鲁瓦 (1812–1885)

用克劳德·莫奈 (1812–1885) 海景画《印象·日出》（1872） 的标题做文章：“印象？……哪怕最简单粗陋的墙纸图案都比这幅海景画更像一幅已完成的作品！” 勒鲁瓦这篇评论的标题是“印象派人士大开眼”，用语非常刻薄。

莫奈是19世纪下半叶活跃于法国的一个艺术家群体中的一员，这个群体反对法国学院派只创作历史叙事的僵化选材和画面的过度润饰。他们开始按照自己眼中所见的形态去描绘当代生活图景，捕捉每个短暂时刻的印象和转瞬即逝的光线效果。19世纪70年代在巴黎最初展示时，印象派绘画沦为笑柄，因为在19世纪的观众眼中，这些作品看上去还没有最终完成。以往的绘画都将每个单独的笔触相互接触汇合到看不出痕迹，创造出一种平滑的表面；而印象派则多用粗放、明亮的色彩和明显可见的笔触，所选取的绘画题材也与绘画技法一样先锋。他们走出画室去观察身边的世界，所画的便是自己眼之所见，比如巴黎周边的风景、整理舞鞋的芭蕾舞女和劳作中的洗衣女工。当时，这样的题材场景被认为被过度激进或不宜入画。

浮世绘木版印刷。浮世绘用粗放的平板色块、简单的图式、动态且经常偏离中心的构图来呈现日常生活场景。浮世绘前景中有时还会有隐约可见的人物，但形象往往不完整，被画面边缘切割掉。摄影对印象派也有影响。埃德加·德加 (1834–1917) 的芭蕾舞女 (见320页) 画像灵感就源于埃德维德·穆布里奇 (Eadweard Muybridge, 1830–1904) 的定格照片，照片清晰揭示了动物与人类如何移动。摄影者用手持相机拍摄的移动人像会有模糊暗影。德加的这些画像构图往往随机凌乱，有时候前景空白或者呈现出零碎的局部景物或人物。印象派画家如此精心安排构图是为了传递出一种场景的自发感，也即画面是真实发生，而非预先设定的。

没钱怎么办 去好厚米巴齐耶在巴蒂诺尔的画室

没有有钱的好厚米怎么办，只有天知道

巴齐耶的画室 马奈

画面里一共有六个人，在官方注解里，画面正中身材高大的是巴齐耶，旁边戴着礼帽进行点评的是马奈，角落里正在弹钢琴的是他们的一位朋友梅特尔（也有一些艺术评论家认为画面左侧楼梯上下的两位分别是左拉和雷诺阿，穿条纹裤的是莫奈。但既然官方注解里未曾提及，我在此也就不采用这种说法了）。-来自知乎

2. “画中之画”：对沙龙的挑战
   这幅画的真正激进之处，在于巴齐耶在画室墙上挂满的“画中画”。

这些画都是巴齐耶自己的作品，其中许多（例如左上角那幅《梳妆》，La Toilette）刚刚被官方沙龙（Salon）拒绝展出。

通过把这些“落选作品”骄傲地挂在墙上，并让精神领袖马奈（Manet）来“审视”一幅新作，巴齐耶在无声地宣告：官方沙龙的审美已经过时，我们（这群朋友）的评判标准，才是艺术的未来。

巴比松画派 户外速写但是回到画室完成

印象派 全部在户外完成

德加 1834-1917

人们称我为舞女画家

懒得翻回去了

エドガー・ドガ（Edgar Degas, 1834-1917）は、印象派グループの創設メンバーの一人であり、その中心的な存在でした。

しかし、彼はそのキャリアを通じて自らを「印象派」と呼ばれることを嫌い、モネやルノワールといった他のメンバーとは一線を画す、最も「非典型的」な印象派画家として知られています。

彼は風景や自然光よりも、ガス灯に照らされたパリの「現代生活（Modern Life）」と、そこで動く「人体」を描くことに生涯を捧げました。

1. 「非典型的」な印象派
   スタジオの画家：クロード・モネが屋外（en plein air）に出て自然光の「印象」を捉えようとしたのに対し、ドガはアトリエ（画室）で制作する「スタジオの画家」でした。彼は屋外の光を嫌い、「芸術は記憶と想像力で作るものだ」と信じていました。

「線」の重視：モネが「色彩」で世界を構築したのに対し、ドガは新古典主義の巨匠アングルを崇拝し、「デッサン（線）」こそが絵画の基礎であると信じていました。彼の作品は、印象派の鮮やかな色彩を持ちながらも、その下には常に強固なデッサン力が存在します。

2. 「動き」の探求
   ドガの真のテーマは「光」ではなく「動き（Motion）」でした。彼は人や馬が一瞬見せる不意のポーズ、バランスを失う瞬間、緊張と弛緩を捉えることに執着しました。

3. 革新的な構図（写真とジャポニスム）
   ドガは、当時登場し始めた「写真」と、流行していた「日本の浮世絵（ジャポニスム）」から決定的な影響を受けました。 彼の構図は非常にラディカル（過激）です。

トリミング：主題（ダンサーや馬）をあえて画面の端で大胆に切り取る（トリミングする）。

俯瞰（ふかん）：まるで2階席から見下ろすように、極端な角度から舞台を描く。

中心の不在：画面の中央を空け、主要な人物を端に配置する。

これらの手法は、まるでスナップショット写真のように、計算された「偶然性」を演出しています。

(L'Absinthe / Dans un café, 1876)

L’etoile OR La danseuse sur la scene (1878) by Edgar Degas

芭蕾课 1871-1874 La Classe de danse

德加曾经写道：“人们称我为舞女画家。”也确实如此，他的油画和埃色粉画中超过一半都是描绘巴黎歌剧院芭蕾舞团的青少年舞者——有时是画在舞台上演出的场面，但更多是在台幕后的排练或休息场景。自19世纪70年代开始，他近乎自我强迫般地执迷于描画这些舞者。《芭蕾课》就是对非正式场合下舞者生活的典型表现和密切观察，展示了诸如舞女伸手抓挠后背这样的细节。这样的场景是非正式的，但也非完全的私人生活。“对我而言，”德加写道，“这些舞者是一个必备前提，有了她们，我才能去描绘漂亮的衣饰和舞蹈动作。”画面那偏中心的构图有点惊人，芭蕾女郎及陪同照看的母亲们环绕簇拥在老师朱尔斯·佩罗特四周。非对称的画面设计、不同寻常的视角和被边缘裁切的人像具有抓拍快照的特点，透露出摄影对绘画的影响。德加收集的日本浮世绘对其创作也有一定影响。地板上那渐趋聚合的线条引导视线看向画画上部和中间，营造出强烈的空间感。尽管画面看起来是对一个自发性场景瞬时观察所得的印象，但此作实际上是精心杜撰想象出来的一幅图像。在绘制过程中，德加对原构思做出过很大改动。

• 权威中心：年迈的芭蕾大师佩罗（Jules Perrot）拄着长棍，是整个房间的绝对权威中心。所有舞者的注意力（或焦虑）都集中在他身上。

• 非理想化的瞬间：德加捕捉的不是完美的舞姿。请看画中的细节：

  • 左下角：一位舞者正在抓挠她的后背。

  • 中央：一位舞者心不在焉地摆弄着她的耳环。

  • 背景：其他女孩们在拉伸、闲聊或无聊地等待。

• “快照”般的裁切 (Cropping) 画面左侧的楼梯和舞者被画框粗暴地“裁切”掉了。这在传统绘画中是不可思议的，但在摄影中却很常见。这种处理方式创造了一种强烈的“在场感”，仿佛观众就是从门口偶然瞥见这一幕。

• 高视角与空旷的中心 德加采用了高视角，俯瞰整个房间。他大胆地将画面的正中心留白——一片空旷的木地板。所有的人物都被推到了画面的边缘和角落。这种“空”的中心反而突出了空间的纵深感，并使佩罗的权威更加凸显。

• 镜子的妙用 背景墙上的巨大镜子是点睛之笔。它不仅反射了舞者的背影，更重要的是，它反射了那扇我们看不见的、正对着画面的巨大窗户。这扇窗户是房间的主要光源，镜子中的反射（可以看到巴黎的屋顶）瞬间扩大了画室的幽闭空间，并将室内与室外的“现代都市”连接了起来。

hashtag “芭蕾舞兴趣班”的一幕
印象派的大伙都喜欢用镜子

贝尔蒂·莫里索（1841-1895） 玛丽·斯蒂文森·卡萨特

贝尔蒂·莫里索是马奈弟媳 模特

贝尔蒂·莫里索与美国画家玛丽·斯蒂文森·卡萨特 (Cassatt, 1844—1926) 是两位可敬的女性。印象派男画家绘制有很多的当代生活场景，但她们却被排除在这些题材之外。不同于那些男画家，她们受当时风俗人情所限，无法坐在大街边、咖啡馆和公园中现场作画。因此，这些印象派女画家的作品大都是描绘家庭生活素材——比如莫里索的闺房场景《年轻女子扑粉》，或者是那些相对高雅的公共场合——比如卡萨特的《包厢》，描绘了一位时尚的女士盛装出行，在巴黎的“法国人”剧院观看下午场演出。

Berthe Marie Pauline Morisot (1841 - 1895)

莫里索的笔触是印象派中最“轻盈”的之一，这幅画是绝佳的例子：

• 羽毛般的笔触：她使用快速、松散、如羽毛般轻盈的笔触来构建画面。你几乎感觉不到“线条”的存在，一切都由色块和光影构成。

• 光与色彩：整幅画沐浴在柔和、扩散的光线中。调色板明亮而精致——大量的白色、珍珠灰、淡粉色和蓝色。这种色彩运用不仅捕捉了光线，也完美地传达了闺房的柔和氛围和女性的娇嫩肌肤。

• 形式的“消融”：请注意看女人的白色睡袍、她背后的花朵以及梳妆台上的物品。它们几乎“融化”在了光线和空气中。莫里索关心的不是物体的精确轮廓，而是它们在特定光线下给人的整体“印象”。

玛丽·卡萨特 (Mary Cassatt) In the Loge 1878

• “观看”的女性（主动的）: 与当时男性画家（如雷诺阿）笔下那些盛装打扮、被动地“被观看”的女性不同，卡萨特画中的主角（据信是她的姐姐莉迪亚）正在主动地“观看”。她身穿朴素的黑色日间礼服（表明她不是为了在夜间“展示”自己），正专注地举着望远镜，但她的视线并非投向舞台，而是对面的另一个包厢。她是一个积极的观察者，一个现代生活的参与者。

• “被看”的女性（被动的）: 这幅画最绝妙的讽刺在于背景。在画面的左后方（另一个包厢里），一位男士正身子前倾，举着望远镜，毫不掩饰地望着她。

不是，为什么右手这么画 静脉？

Woman with a Pearl Necklace in a Loge) - 1879

镜子

• 光影效果: 卡萨特（深受德加影响）在此探索了人工灯光对肉体、衣物（那件漂亮的蜜桃色礼服）和珠宝（珍珠项链）的反射效果。

• 融入奇观: 通过这面镜子，女主角（观众）本身也成为了剧院“奇观”的一部分。她被反射的灯光和人群所包围，她的“观看”行为和她“被看”的形象，都一同融入了这场盛大的都市夜生活中。

这蛮吊的

马奈和印象派

爱德华·马奈 (Édouard Manet, 1832-1883)，是19世纪法国艺术史上最关键的枢纽人物。

他既是现实主义（Realism）的最后一位大师，也是印象派（Impressionism）的“精神领袖”（The Father of Impressionism）。虽然他本人在世时坚称自己不是印象派成员，但他却是那个点燃了整场运动、开启了现代艺术大门的人。

用他朋友的话说（诗人波德莱尔），马奈是当之无愧的“现代生活的画家”（Painter of Modern Life）。

• 主题的“现代性”： 在马奈之前，“伟大”的艺术是描绘历史、神话或宗教。马奈则把画笔对准了他所处的当代巴黎：咖啡馆、公园、街道、赛马场，以及生活在其中的现代人（包括妓女和酒保）。他认为“当代”本身就是“伟大”的主题。

• 绘画技法的革命（“平面性”）： 学院派绘画依赖平滑的过渡和三维的立体感（明暗对照法）。马奈则反其道而行之：

  • 平面色块：他经常使用大面积的、平涂的色块，减少中间调，这使他的人物（如《吹笛子的少年》）看起来像是“扁平的”，缺乏传统的立体感。

  • 粗放的笔触：他使用“直接画法”（alla prima），笔触清晰可见，被批评为“粗糙”、“未完成”。

  • 对“黑色”的运用：当印象派画家们（如莫奈）试图从调色板中驱逐黑色时，马奈却大胆地使用纯粹、浓重的黑色，使其成为一种极具表现力的现代色彩。

• 挑战“观看”的传统： 这是他最具颠覆性的一点。他画中的人物，尤其是女性，经常直视观众。这种目光是挑衅的、自觉的、毫不掩饰的，打破了观众（通常是男性）对画中女性的被动“窥视”权。

之前的 草地上的午餐，奥林匹亚 1863

马奈让画中人看向观众 就像在说

你瞅啥？

马奈教父不想和“落选者们”一起展，还是想去伟大光荣正确的巴黎沙龙展里当个人物👉🏻希望官方认可自己

厚米们把马奈作为偶像，视为反抗学院的英雄和精神领袖。他们定期在巴黎的盖尔博瓦咖啡馆（Café Guerbois）聚会，马奈是当之无愧的中心人物。
1874 年 那些选不上巴黎沙龙展的厚米们（莫奈，雷诺阿，西斯莱，毕沙罗，德加，莫里索等）组了“艺术家，画家，雕刻家无名社团”联展👉🏻马奈拒绝了好厚米们的邀请

马奈的最后归宿，是他艺术理念的集大成之作：

《女神游乐厅的吧台》 (A Bar at the Folies-Bergère, 1882)

这幅画总结了他的一切：现代都市生活（巴黎最著名的夜总会）、对现实的复杂处理（背景中那面充满争议的、不合逻辑的镜子）、社会异化（女招待疲惫而空洞的眼神），以及那标志性的、直视观众的现代目光。

A Bar at the Folies-Bergère, 1882

镜子确实不对捏

1874 年-1886 印象派的画展办了 8 次
只有毕沙罗全勤了

印象主义在本质主体上而言是一种新的绘画方式，但德加与雷诺阿也都创作雕塑。同时代的雕塑家，比如梅达多·罗索 (Medardo Rosso, 1858—1928) 和奥古斯特·罗丹 (1840—1917)，也被印象派的精神所感染，拒斥学院派雕塑的精雕细琢和理想主义风格，转而青睐有质感肌理、充满动态活力的雕刻立面。这种雕刻技法与印象派的绘画笔触互为呼应。

最初的印象派团体在19世纪80年代晚期解散，其影响则巨大而持久。及至19世纪末期，全世界的画家都开始以粗犷、自由挥洒的笔触来描绘当代题材，后继的各种艺术运动都可被视为印象主义的演进，同时也是对印象派自身局限的反动。在多重层面上，印象主义标志着现代艺术的发端。

诗人 波德莱尔（Baudelaire） 对印象派影响极大。

他提出现代性的艺术应该表现：

• 当下的瞬间性

• 都市的匿名人群

• 流动的街道、咖啡馆、剧院

• 迅速变化的生活节奏

最后一次印象派画展有 大碗岛上的星期日下午

《大碗岛上的星期日下午》 (Un dimanche après-midi à l'Île de la Grande Jatte / A Sunday Afternoon on the Island of La Grande Jatte) 1884–1886 年

这是乔治·修拉 (Georges Seurat) 的旷世杰作，也是点彩主义 (Pointillism) 或新印象主义 (Neo-Impressionism) 的开山之作。

核心理念：科学与艺术的融合

修拉的这幅画是一场激进的艺术实验。他试图用“科学”来“修正”印象派。

印象派（如莫奈）依赖直觉和瞬间来捕捉光线。而修拉（受当时光学和色彩理论的影响）则试图建立一个系统性的、科学的色彩理论，他称之为“分色主义” (Divisionism)，但这种技法更为人所熟知的名字是“点彩主义” (Pointillism)。

点彩主义是一种绘画技巧，其核心是：

1. 纯色圆点：画家不再在调色板上混合颜料。相反，他们将纯粹的、未混合的颜色小圆点并置在画布上。

2. 视觉混合 (Optical Mixing)：修拉相信，当观众站在一定距离观看画作时，这些分离的色点（例如，并置的蓝色点和黄色点）会在观众的“视网膜”上自动混合，产生比在调色板上混合出的颜料（蓝色+黄色=绿色）更明亮、更鲜活的绿色。

科学的信徒：他痴迷于当时最新的科学理论，特别是米歇尔·欧仁·谢弗勒（Michel Eugène Chevreul）的色彩对比定律和亥姆霍兹（Helmholtz）等人的光学理论。

极端理性和自律：这幅画有300万到400万个色点。修拉花了整整两年时间，像科学家做实验一样，日复一日地在画布上打点。这幅画（约2x3米）的巨大尺寸，更凸显了这项工程的浩大。

追求“秩序”：修拉深受古典主义和埃及艺术的影响。他刻意将画中所有的人物（40多个人）都处理成近乎剪影或雕塑的形态。

“弗里兹”效应（Frieze Effect）：他让大多数人物都保持严格的正面或侧面，像希腊神庙上的“浮雕”（Frieze）或埃及壁画一样，以精确的几何关系（黄金分割）排列。

什么原始 led 屏

我没想到埃及这块

简而言之： 印象派在“画布上”捕捉光；修拉则试图在“观众的眼睛里”创造光。

• 地点：大碗岛 (La Grande Jatte) 是巴黎人周末休闲的热门地点。

• 人物：修拉描绘了来自不同社会阶层的巴黎人（工人、中产阶级、士兵等）在公园里休息的景象。

• 氛围的矛盾：这幅画最引人注目的是它怪异的“静止感”。

  • 印象派的“瞬间”：印象派画家（如雷诺阿的《煎饼磨坊的舞会》）描绘的聚会是充满欢笑、动态和偶然性的。

  • 修拉的“永恒”：修拉的画则完全相反。每个人物都像是被冻结在时间里，彼此孤立，互不交流。他们的姿态僵硬，如同埃及壁画或希腊雕塑中的人物。

画中的人物（例如前景中牵着猴子的时髦女性，猴子在当时被视为放荡或炫富的象征）与其说是真实的个体，不如说是构成修拉“科学构图”的“元素”。

历史意义与影响

• 新印象主义的诞生：这幅画在1886年第八次（也是最后一次）印象派画展上展出时，震惊了所有人。它标志着“印象派”的终结和一个新流派——新印象主义 (Neo-Impressionism) 的诞生。

• 对后世的影响：

  • 科学性：它将绘画引向了更具智性、分析性和系统性的道路，启发了后来的野兽派（如马蒂斯，他早期也尝试过点彩）和立体派（如毕加索）。

  • 现代异化：它所传达的现代都市人群的“疏离感”和“异化感”，也成为了20世纪艺术的重要主题。

毕沙罗

• 慷慨的导师：他比莫奈、雷诺阿等人年长，为人谦和、无私。他积极指导和鼓励年轻画家，特别是保罗·塞尚 (Paul Cézanne) 和保罗·高更 (Paul Gauguin)。塞尚甚至曾说：“毕沙罗是我的父亲……他是一个值得我去请教的人。”

• 主题的独特性：与莫奈专注于水面和光影不同，毕沙罗一生钟爱描绘法国的乡村风光、土地和农民的日常生活。他的作品充满了质朴、坚实的结构感和对普通人的同情（这源于他坚定的无政府主义信仰）。

• 分析：这是毕沙罗早期的标志性杰作之一，在1874年第一次印象派画展上展出。

• 主题：描绘了法国蓬图瓦兹 (Pontoise) 乡下清晨结霜的田野。

• 技法：毕沙罗使用短促、细密的笔触，捕捉了阳光照射在冰冷、结霜的土地上的微妙光效。阴影中带有蓝色和紫色（这是印象派的革命性技法）。这幅画在当时因其“粗糙”的笔触和“未完成”的外观而备受争议，被评论家讥讽为“画布上的调色板刮屑”。

Les Toits rouges, coin de village, effet d'hiver

• 主题：描绘了蓬图瓦兹村庄的一角，焦点是农舍红色的屋顶。

• 构图：与莫奈追求的“瞬间”不同，这幅画展现了极强的结构感（这深刻影响了塞尚）。毕沙罗没有单一的焦点，而是通过层层叠叠的屋顶、树枝和山坡构建了一个复杂而和谐的画面。他用短小的色块来表现光线在不同表面上的振动，同时保持了景物坚实的形态。

(The Boulevard Montmartre Series

• 分析：到了晚年，毕沙罗患上了严重的眼疾，使他无法在户外（en plein air）作画。他没有放弃，而是转向了一个全新的主题：城市景观。

• 创作方式：他租下巴黎一家旅馆的房间，从高层窗户俯瞰蒙马特大道。他像莫奈的“干草堆”或“鲁昂大教堂”系列一样，在一天中的不同时间、不同天气（晴天、雨天、雾天、夜晚）下，反复描绘同一条街道。

  雷诺阿！1841-1919

  基本信息

画画最重要的是开心！

雷诺阿雷诺阿我爱你

这个世界上真的存在不会被雷诺阿的画打动的傻瓜吗？

这幅肖像画在不知道是人教版还什么什么教版的初/高？中音乐教材上出现过 和德彪西『亚麻色头发的少女』（La fille aux cheveux de lin）出现在同一页上 它击穿了我尚不成熟的大脑 从此把这个少女的形象和亚麻色头发的少女这几个文字狠狠地绑定在我的脑海中 把亚麻色提升为我能感知到的形容最高级的配色的词语 回到家我迫不及待地搜这曲来听 想的却还是这幅画 甚至多年以后某个平凡无奇的下午 我突然想起这幅画来 通过亚麻色头发的少女为关键词真的重新找到了这幅画 她叫艾琳·卡亨·达维尔小姐像（1880） 显然这个名字太长了 而人们又喜爱她 所以有个别名叫做小艾琳 小艾琳是法国犹太银行家路易·卡昂·当韦尔8 岁的女儿（说真的我一直以为 15 岁左右）

小艾琳的老爹没什么品味 他不知道自己的爱女就这么在人类历史上不朽了 还嫌弃雷诺阿画得不够严肃 银行家都是十足的傻瓜

说回我第一次看到这幅画 当时我就顾不上音乐课到底在讲什么了 完全看入迷了 我很想知道她在看什么 我希望她什么都没有看 而是似看非看的在想自己的事情 我希望那都是些无关紧要，又足以使她挂念的事情 我又坚信她的日子如同蓝白色的裙子那样柔和 带着一点茫然的忧郁 但总得来说是无忧无虑的 说起亚麻色我会想起她，说起少女我会想起她，说起德彪西或者雷诺阿我也会想起她 我在记忆和理性上知道法国学院派和他们操办的巴黎沙龙展曾经在这个艺术圈子里是多么不可一世和伟大荣耀 但是我将永远在感性上属于小艾琳 小艾琳不是维纳斯 不是美神 也不需要神话符号的点缀 周围没有丘比特或者小天使 她不会浮在海面上 在泡沫里出生 她就是此刻的小艾琳 在一个自然低调的背景下 穿着得体舒适的衣服 如此动人心魄 惹人疼爱 让人无法忘记她的此刻 又对她的一切感到好奇

雷诺阿的画真的他喵的是，你看了就不由自主地热爱沟槽的空无一物的生活。

现实世界的伊雷娜在 1963 年巴黎去世，享年91岁

我说实话，你能画出这种画 不用去和马奈比什么几把革命性，或者和学院派比什么几把技巧 就好看 纯粹的好看 每个看过的人都不会忘记的那种好看 看这种画一脚把评论家踢开 忘记美学的探讨 忘记客户的需求和肖像画的常规守则 看就完了 看画最重要的是开心！

雷诺阿先生早期是瓷器厂学徒 按照某些笨蛋的说法是地道的厂狗 但正是绘制瓷器的工作启发他白色或者奶油色底色可以让画面通透轻亮

1841—1860

雷诺阿出生于法国西南部的里摩日，后入当地瓷器厂工作，在瓷器上画图案。不

约1861—1868

雷诺阿移居巴黎，他们家住得里卢浮宫很进 走 6min 就到 雷诺阿进入国立高等美术学院 加入当时风头正劲的学院派 (见276页) 之一的“瑞士学院” 画家查尔斯·格莱尔 (1806—1874) 的画室，受到现实主义 (见300页) 画家居斯塔夫·库尔贝作品的影响。雷诺阿在巴黎结识其他画家，包括克劳德·莫奈和阿尔弗雷德·西斯莱，三人后来都成为了印象派。1864年的巴黎沙龙展上，雷诺阿的作品首次登场。

1869—1880

与莫奈一起画塞纳河的写生素描，雷诺阿开始使用轻亮的色彩。1874年，雷诺阿有六幅作品在第一届印象派艺术展上展示。

1881—1890

他访学意大利，对拉斐尔 (1483—1520) 的作品一见难忘；开始采用较正统的绘画技法，更为注重线条，风格上变得稍古典。

1891—1919

雷诺阿患上风湿性关节炎。1892年赴西班牙，对迭戈·委拉斯凯兹 (1599—1660) 的作品大为欣赏。1907年，移居到气候温暖的普罗旺斯，余生转向雕塑创作。

Bal du moulin de la Galette 1876

笔触是松散的，画面上的人物和传统的画不一样，脸部的光线感觉上是扑朔迷离，很矇眬的，不是在讲求真正的肌肤感，脸部深度的描绘，眼睛被影子所遮蔽，看起来别有一番趣味。雷诺阿捕捉到人在大自然下，透过树荫透过光线，所投射下来的神秘色调。在色调的呈现上，他使用了印象派所使用色彩的方法。比如说：补色、对比色等这些方法，同时并列在画面上，在眼睛的视网膜同时调色的情况下，而产生耐人寻味的一个色彩变化与效果。

美好温馨，斑驳的岁月的瞬间

看着这幅画我会忘记我的现实世界 这个毫无意义的，没有任何道德说教的，不能成为谁的生活模范的，普通的瞬间 是如此的温暖而真实 我会觉得眼睛的柔光滤镜忘记关了

网络看画的痛苦 是无法确认在现实世界里的真实尺寸

这幅画 1877 年第三次画展出展 当时的傻瓜们对其褒贬不一 有傻瓜评论家说人们看起来像在略显紫色的云层上跳舞

在这幅画后雷诺阿开始疏远印象派团体 专注于巴黎沙龙展👉🏻当时的傻瓜不识货！

当时的时代所能产生的最牛逼的大师，也依然怀疑自己，依然想要体制的认可......

这里也有人在边缘被裁切 就像照相的瞬间一样

• 斑驳的光影 (Dappled Light)：这是他的标志性技法。他尤其擅长描绘阳光穿过树叶，洒在人物皮肤和衣服上的那种跳跃、斑驳的光点。

• 羽毛状笔触：他的笔触松散、轻快，如同羽毛扫过画布，使物体（尤其是皮肤）的边缘显得模糊、柔和，完美地融入光与空气之中。

• 甜美、温暖的调色板：他的画作充满了温暖的红色、粉色、橙色和明亮的白色。他极度钟爱描绘女性和儿童红润、透光的肌肤，并认为“黑色”不是一种颜色（尽管他早期也使用黑色）。

• 人是主题：与莫奈或毕沙罗不同，雷诺阿的画作中心永远是人。风景只是人物活动的背景。他关心的是现代都市生活中的愉悦、亲密和活力。

开头我是挑了两幅比较重要的画 接下来按照时间顺序来看雷诺阿

1870 年以前 雷诺阿还比较藏笔触 刚开始和好厚米一起探索印象派
1870 年普法战争法国惨败 它不仅导致了拿破仑三世的皇权垮台和法兰西第二帝国的终结，还直接促成了德意志帝国的统一。

拿破仑三世之前出现过 他买了 1863 《维纳斯的诞生》亚历山大·卡巴内尔 (Alexandre Cabanel) 被库尔贝暗讽 批准成立落选者沙龙

普法战争中发生了巴黎围城
巴黎围城 (Siege of Paris)：新生的共和国政府试图继续抵抗，但普鲁士军队迅速包围了巴黎。巴黎市民（包括马奈、德加等艺术家）在长达数月的围困中经历了可怕的饥荒（甚至吃光了动物园的动物）。

• 马奈 (Manet) 和德加 (Degas)：他们留在了巴黎，加入了国民警卫队，亲身经历了巴黎围城战的苦难。

• 莫奈 (Monet) 和毕沙罗 (Pissarro)：他们逃往伦敦以躲避战火。毕沙罗在巴黎的家被普鲁士士兵洗劫，他早期的约1500幅作品（几乎是他毕生的心血）绝大部分被摧毁。

印象派的诞生：战争（1870-1871）和公社（1871）的创伤，彻底摧毁了旧的第二帝国。1874年举办的第一次印象派画展，正是在这个新生的、动荡的“第三共和国”的背景下举行的，标志着一个全新时代的开始。

1871年1月18日，在巴黎仍在饥寒交迫中抵抗的同时，俾斯麦在巴黎郊外、法国君主制的心脏——凡尔赛宫的镜厅 (Hall of Mirrors)——举行了一场仪式。

普鲁士国王威廉一世在此被加冕为“德意志皇帝” (Kaiser)，德意志帝国（德意志第二帝国）正式成立。在敌国的皇宫里宣布自己国家的统一，这是对法国最极致的羞辱。

• “复仇主义” (Revanchism)：割让阿尔萨斯-洛林的耻辱，在法国人心中种下了长达40年的“复仇”种子，成为第一次世界大战（WWI）的最主要动因之一。

• 巴黎公社 (Paris Commune)：战争结束后不久，巴黎爆发了短暂但血腥的“巴黎公社”起义（1871年3月-5月），这是法国国内矛盾的集中爆发。

1870 年雷诺阿在干嘛？

• 应征入伍：1870年战争爆发时，雷诺阿被征召入伍。

• 服役地点：他被分配到一个骑兵团。

• 远离前线：幸运的是，他没有被派往像色当（Sedan）那样的血腥前线。他的部队驻扎在远离主战场的法国西南部（靠近波尔多和比利牛斯山脉）。

• 主要任务：他的任务不是战斗，而是训练军马。

• 生病：虽然他没有在战斗中受伤，但他在服役期间感染了痢疾，病情一度很严重。

失去挚友：对他打击最大的是，他的挚友、也是印象派的核心资助者——弗雷德里克·巴齐耶 (Frédéric Bazille)（《巴齐耶的画室》的作者）——在1870年11月的战斗中不幸牺牲。

直到1871年战争结束后，雷诺阿才得以返回巴黎，重新开始他的艺术生涯。

1870 战争前：

Banhista com Cão Grifon 1870

形体 笔触 色彩 画面暗暗的

Odalisque 1870　东方主义

色彩变化 豪看

1870 散步 La Promenade

笔触变化 不藏了 看得到光---透过树叶的斑驳 一个幸福的瞬间

1878 翻身了

1878 夏庞蒂夫人和她的孩子 Madame Charpentier et ses enfants
肖像画 左拉出版人的委托画 大客户了（平时照顾有加）

这幅画是雷诺阿的“发迹之作”**。

在1870年代，雷诺阿和他的印象派朋友们（如莫奈、德加）一直处于鄙视链的底端，被沙龙（Salon）拒绝，作品被嘲笑，生活极度贫困。

• 一次豪赌：夏庞蒂埃夫人 (Madame Charpentier) 是当时巴黎最有权势的出版商（乔治·夏庞蒂埃）的妻子，也是一位著名的沙龙女主人。能接到她家的巨幅肖像订单，对雷诺阿来说是一次千载难逢的机会。

• 1879年沙龙的巨大成功：雷诺阿没有将这幅画送去小圈子的“印象派画展”，而是直接送往了1879年的官方沙龙。

• 结果：这幅画获得了巨大的成功！它被挂在视线最好的位置，受到了评论家和公众的一致好评。它一夜之间为雷诺阿赢得了巨大的声誉、稳定的收入和无数来自上流社会的新肖像订单。这幅画标志着雷诺阿从“叛逆者”转变为巴黎最炙手可热的肖像画家。

• “现代生活”的场景： 这不是一幅僵硬的、摆拍的肖像。雷诺阿捕捉的是一个亲密、奢华的日常生活瞬间。它既是肖像画，也是一幅“风俗画”。

• 奢华与品位： 这幅画的背景是夏庞蒂埃夫人位于巴黎的豪华客厅的一角。雷诺阿特意描绘了那些能彰显主人财富和“时髦品味”的物品：

  • 日本主义 (Japonisme)：背景中精美的日式屏风、脚下的东方地毯以及桌上的中国瓷器，都是当时巴黎最前卫、最昂贵的时尚象征。

  • 奢华的质感：雷诺阿运用他标志性的羽毛般笔触，无与伦比地呈现了丝绸礼服的光泽、孩子裙子上的蕾丝、地毯的厚重和纽芬兰犬（Newfoundland）毛皮的质感。

• 印象派的光： 整幅画沐浴在柔和的室内光线下。光线在夏庞蒂埃夫人的黑色丝绸礼服上跳跃（注意裙摆上的那些蓝色和灰色的反光），并在孩子们的白色裙子和金色头发上闪烁。

• 夏庞蒂埃夫人 (Madame Charpentier)：她侧身坐在沙发上，姿态优雅而放松。她身穿的黑色礼服在当时是极其时髦的选择。

• 乔吉特 (Georgette)：左边的女孩（她的女儿）。

• 那个“男孩”：这幅画最著名的细节——右边穿着蓝色裙子的小孩，是她的儿子保罗 (Paul)。在19世纪的欧洲，将小男孩（通常在4-5岁前）打扮成女孩的模样（穿裙子、留长发）是上流社会非常普遍的做法。

对角线+松散的三角形

单透视

在这幅画出名了以后 很快 1880 年 小艾琳的订单就要来了

1881 舟遊びをする人々の昼食 日语 wiki 说是 1876 英语是 1881

1882年の第7回印象派展で、『舟遊びをする人々の昼食』は批評家に称賛され広く受け入れられた。 1882年3月10日、ポール・ド・シャリーは『Le Pays』に「新鮮で自由で、猥雑さを感じさせない」と書いた。 1882年3月11日、アルマンド・シルヴェストルは『La Vie Moderne』に次のように書いた。 「・・・ルノワールが描いた傑作のひとつで・・・少量の、たいへん非凡なデッサン ―本物のデッサン― は、色彩の配置の結果であって、線描ではない。『舟遊びをする人々の昼食』は、独自の芸術を打ち立てた芸術家たちの生み出した、最も美しい作品のひとつである。」

一方でフィガロ紙が1882年3月2日、「もしデッサンを学んでいだら、ルノワールはすばらしい絵を描けただろうに」という、アルベール・ヴォルフのコメントを掲載している。

雷诺阿让他的朋友入画 把他们画得美丽幸福 我只能说人不错

它创作于1881年，就在他即将前往意大利、风格转向“严谨时期”，让我们和雷诺阿说再见 拜拜

1881 意大利旅游后

为什么会发生转向 现实世界的大尺寸画一般都是庄严的历史画之类的学院派推崇的东西 可能雷诺阿觉得纯粹的印象派路线很难镇得住场子（挂在宫殿里）把 也可能就是去意大利学习把脑子给换了 唉真没劲

圣马可广场旅拍

看了拉斐尔在教堂里的壁画 看了庞贝古城 法国人雷诺阿就这样变成了意大利的脑子 为了“流芳百世” 为了“知识和智慧的结晶” 雷诺阿就这样变成了一个傻瓜 把后半生用来进行了不好看的失败的探索（我说的）

The Umbrellas (Renoir) 1880-86 也就是经历了意大利前后

唉 不多谈

烂完了 人物无表情看向正面 可又不是神仙 干什么呢

Les Grandes Baigneuses (Renoir) 1884-87

大浴女 烂完了 背景和水印象派笔触 人物古典 水你能看出光 人物上又没有 像一款垃圾游戏 水面有光追 人身上没有 僵硬的不是神仙的普通人 有什么看头！

转型前：我寻思这么画好看

转型后：我寻思画画应该这么画

当开始思考“应该”的时候人就开始无聊了

不过 1890 年以后画还是挺好卖的 但是生病 类风湿性关节炎

1892 法国政府订单 Jeunes filles au piano

这顺眼点 但是人还是有点呆呆的 不过他生病了后期也不好多说什么

花

雷诺阿是一个喜欢画花的 画家
对他来说，画花是纯粹的快乐，也是他练习色彩、光线和笔触的“试验场”，他甚至说画花可以“让我的大脑得到休息”。

Spring Bouquet by Pierre-Auguste Renoir, 1866

但这幅画的真正主角已经是光与色了。雷诺阿以极其丰富的笔触和色彩，描绘了花朵的蓬勃生机和娇嫩质感。这幅画的尺寸（约104 x 80 厘米）相当大，表明这不是一幅随手练习，而是他为“沙龙”精心准备的、雄心勃勃的作品，旨在展示他驾驭复杂构图和华丽色彩的非凡才华。
Roses in a Vase1876

Bouquet of flowers (c.1880 – c.1881) by Pierre-Auguste Renoir

1910 Vase of Roses,

再见

莫奈 1840 - 1926

如果对每个画家都想雷诺阿那样去写会累死的

所以接下来划划水了

克劳德·莫奈 (Claude Monet, 1840-1926) 是印象派的奠基人之一，也是印象派运动的“灵魂”。

他终其一生都在追求一个目标：捕捉“光”本身。他痴迷于光线在不同时间、不同天气下，是如何改变物体（水面、干草堆、教堂）的颜色和形态的。

要理解莫奈，就必须理解他的“系列画”，以及他为描绘光影而倾注一切的吉维尼花园。

在此之前 先讲莫奈的妻子Camille Doncieux 因为我喜欢

Camille Doncieux

The muse who escaped oblivion: Camille Monet

After her premature death at only 32 years old (it is unknown whether the reason was a malpracticed abortion or cervix cancer), the painter destroyed her family photographs and all the correspondence she had ever written or received.

dude...

Camille Doncieux, 1871

Camille came from humble origins, and had met Monet when she was eighteen years old, while modeling for him and other Impressionist painters.

 ‘Luncheon on the Grass’ was one of the first paintings in which Monet painted the female figures after her.

Monet wished to challenge Manet, with whom he was often confused, reason why he had to sign his works with his surname and name.

...Instead, he submitted another painting also using Camille as a subject, ‘The Woman in the Green Dress’, which was highly praised.

Monet, Claude. Luncheon on the Grass, 1865-1866. 
Middle section of the large-scaled unfinished version

...money was not enough, and the couple lived in poverty..


Monet, Claude. Women in the Garden, 1866

rejected

Upon Camille becoming pregnant, Monet’s father and aunt lured him with financial support in exchange for abandoning his mistress and illegitimate child.

Camille and Monet married on 1870 and moved to Argenteuil in 1871.

马奈画的莫奈一家 
Manet, Édouard. The Monet Family in Their Garden at Argenteuil, 1874

雷诺阿画的莫奈妻子 
Renoir, Pierre-Auguste. Madame Monet and her Son, 1874

Renoir, Pierre-Auguste. Camille Monet Reading ‘Le Figaro’, 1872

Japonism

 The large-scaled painting sold in the second Impressionist exhibition but failed to pay in full the accumulated debts.

‘Woman with a Parasol’ was also presented at that time

Monet, Claude. Camille in Japanese costume, 1875
这幅画挺傻瓜的

Monet, Claude. Woman with a Parasol, 1875

这幅画我没记错的话好像是历史教科书上 讲到马克思一家人 莫名配了这张图 当时我很无知 不知道这就是莫奈的妻子 对这幅画出神 忘了世上还有革命这回事

After the birth of their second son, Michel Monet, Camille’s already debilitated health worsened even more. She died on 1879, never knowing her husband’s success.

Camille Monet on Her Deathbed, 1879 by Claude Monet

僕らの最後を死別にしよう

你知道画她的人一定怀着温柔而悲伤的心 痛苦的颜色，柔软的内核

早期 1869

La Grenouillère 蛙塘

中期 1872 日出印象 Impression, soleil levant,

照明の加減により絵画の印象は全く異なったものになる

后期 转型 印象派的局限到了大伙都转型... 觉得浅了

• • 《干草堆》系列 (Les Meules, 1890-91)：他画了25幅干草堆。干草堆本身不重要，重要的是它在清晨、正午、黄昏和雪中呈现出的不同色彩。

  • 《鲁昂大教堂》系列 (Cathédrale de Rouen, 1892-94)：他像科学家一样，租下教堂对面的房间，描绘坚硬的石头在不同光照下如何“融化”在光中，变得非物质化。

晚期（约1900-1926年）：吉维尼与《睡莲》的巅峰

从我懒得放画上就可以看出 我没有很喜欢这堆画

巴齐耶 1841-1870

不管在哪个世界 有钱总是不错的

参考文章Frédéric Bazille: The Rebellious Face of Impressionism

Frédéric Bazille was born to a Protestant upper-middle-class family in Montpellier, southern France, in 1841.

His family’s dream was that he would become a doctor. 典

From 1861 onwards he shared a studio with Claude Monet and Auguste Renoir and soon became part of the Parisian bohemian meetings at the Café Guerbois.

他进入了画家夏尔·格莱尔（Charles Gleyre）的画室，在那里他遇见了克劳德·莫奈（Claude Monet）和奥古斯特·雷诺阿（Auguste Renoir）

• 共享画室：他总是租下宽敞的画室，并免费让莫奈和雷诺阿等人住进来一起创作。我们之前讨论过的杰作 《巴齐耶的画室》 (1870) 就是对此最真实的记录。

• 购买作品：在莫奈穷困潦倒、一幅画都卖不出去时，巴齐耶会凑钱买下他的画（例如著名的《花园中的女人》），只为给朋友提供生活费。

• 支付账单：他经常为朋友们支付颜料费、模特费甚至房租。

• 风格：他深受马奈（Manet）的影响，但又和莫奈一样着迷于“户外光线” (en plein air)。

• 主题：他最擅长的主题是“风景中的人物”。他试图解决一个当时最前卫的难题：如何在明亮的户外光线下，画出坚实、有立体感的人物。

Reusing Canvases

Dissatisfied with his work, or short of money (which he often shared with Monet), Bazille often painted new works onto old canvases. Usually, he did not apply a new ground layer covering the previous work but just rotated the canvas 90 or 180 degrees.

富哥也很节约

Frédéric Bazille, Young Woman with Peonies, 1870, National Gallery of Art, Washington, DC, USA.

A New Way of Painting

Frédéric Bazille wanted to paint contemporary life in a new way, challenging the aesthetic conventions of the day.

他去世时，距离1874年那场划时代的“第一次印象派画展”仅有四年。

Frédéric Bazille, View of the Village, 1868, Musée Fabre, Montpellier, France.

December 1863, Bazille wrote that “painting figures in the sun” was his aim, as excellently manifested by the painting above.

In 1870 Frédéric Bazille, a staunch supporter of democracy, amazed his family and friends by joining the elite Third Regiment of Zouaves on August 16 to defend Napoleon III and the French Republic from Prussian invasion. He fell on the battlefield just shy of his 29th birthday. His enlistment papers listed him as: “Bazille, Jean Frédéric, esquire, aged 28, history painter by trade.”

“巴齐耶，让·弗雷德里克，先生（或乡绅，绅士），时年28岁，职业为历史画家。”

• 在19世纪的法国学院派体系中，“历史画家” (History Painter) 是最高等级的画家。

• “历史画”指的是描绘圣经、神话、历史或重大寓言的宏大题材。相比之下，“肖像画”、“风景画”或“静物画”都被视为较低等的类别。

家庭聚会》（《Réunion de famille 》入选 1868 官方沙龙

《家人的团聚》是法国画家弗雷德里克·巴齐耶于1867年创作的一幅布面油画，同年（或1868年）完成。这幅画的尺寸巨大（高152厘米，宽230厘米），是巴齐耶现存最大的作品之一。

这幅画描绘了画家的十位家庭成员，在他父母位于蒙彼利埃 (Montpellier) 附近的梅里克庄园 (Méric) 的露台上聚会的景象。画家本人也把自己画了进去（位于画面最左端）。

这幅画是户外群像画的早期重要范例，展现了巴齐耶试图解决的一个核心艺术难题：如何将人物（传统肖像画）与明亮的户外风景（印象派的追求）融为一体。

巴齐耶转行画画 68-41 27 岁就得到了官方认可 可谓意气风发了 可惜战死太早

La Toilette 浴室

东方主义 普通人的日常

《梅里克的平台》巴齐耶，1867

西斯莱 1839-1899

Alfred Sisley Biography In Details

与莫奈追求戏剧性的光影、雷诺阿钟情于人物不同，西斯莱一生都以一种近乎谦卑的执着，专注于描绘法兰西岛（巴黎近郊）宁静、微妙的自然风光。

他的特色：天空。西斯莱是描绘“天空”的大师，他认为天空是风景的灵魂，总是占据画布的巨大篇幅。他的画作充满了宁静、诗意和微妙的氛围感。 nb

Alfred Sisley was born in Paris to affluent English parents; William Sisley was in the silk business, and his mother Felicia Sell was a cultivated music connoisseur. At the age of 18, Sisley was sent to London to study for a career in business, but he abandoned it after four years and returned to Paris. 也挺有钱的

但他在伦敦的博物馆里爱上了特纳（Turner）和康斯太勃（Constable）的风景画。

Beginning in 1862 he studied at the atelier of Swiss artist Marc-Charles-Gabriel Gleyre, where he became acquainted with Frederic Bazille, Claude Monet, and Pierre-Auguste Renoir.

Unlike some of his fellow students who suffered financial hardships, Sisley received an allowance from his father-until 1870, after which time he became increasingly poor.

战争！

n 1866, he began a relationship with Eugenie Lesouezec (also known as Marie Lescouezec), a Breton living in Paris, with whom he had two children. His financial security vanished in 1870 when his father's business failed, and Sisley's sole means of support became the sale of his works. For the remainder of his life he would live in poverty; his paintings rose significantly in monetary value only after his death.

变穷了 而且一直没翻身，惨,,,

L'Inondation à Port-Marly

萨金特 1856-1925

美国人 我的私货

萨金特作为那个时代最顶级的“上流社会”肖像画家，他的职业巅峰期完美地对应着以下几个繁荣时代：

• 鍍金時代 (Gilded Age)（美国，约1870-1900年）

• 愛德華時代 (Edwardian Era)（英国，1901-1910年）

• 美好年代 (Belle Époque)（欧洲大陆，约1871-1914年）

康乃馨，百合，百合，玫瑰 / 石竹、百合、玫瑰
1886

这幅画后来送到英国皇家美术馆展出时，取得意想不到的反响。人们评论说：“它是那样光彩夺目，以致使周围其它画作黯然失色。”

X夫人像（高特鲁夫人）

反重力肩带

高特鲁夫人出生在路易斯安那州，是巴黎的社交名媛，因她高超的装扮技巧而闻名。萨金特希望画她的肖像并展出画作来增加自己的名气。虽然作这幅画没有佣金，但在与模特的配合之下，萨金特突出了她大胆的个人风格，表现出她长裙的右肩带正从肩上滑落的瞬间。这幅画在1884年的巴黎沙龙展上受到的奚落多过赞赏，于是萨金特重新画了肩带并自己保留了画作。他把这幅画卖给大都会博物馆时说：“我想这是我最好的作品吧。”但他要求博物馆隐去模特的名字。

因为这幅画，萨金特被迫迁居，终身没回法国；画中的模特原型高特鲁夫人，再也无法回归法国上流社会，郁郁而终。

高特鲁夫人一直努力试图重回上流社会，却失去了影响力。随着年龄增长，她与丈夫分居，也逐渐淡出了历史视野。有关她的细节也模糊不清了，一位传记作者提到：在晚年，她将墙上所有的镜子都取下来，并且只在夜晚才出去。

这幅肖像不能算是萨金特平生最好的，但画家创造了一种全身肖像的崭新风格，完全打破了古典派肖像的规范。有趣的是这种肖像风格在美国却受到特别的欢迎。 法国圈子找个理由喷人,,,

萨金特是美院的 高材生，干嘛去搞肖像画呢

钱多

Portrait of Grace Elvina, Marchioness Curzon of Kedleston

1925

Charles Herbert Woodbury by John Singer Sargent (1921)

白色是打光吗 看上去和气场似的 牛的
虽然也很好看 但还是不如小艾琳

没钱大伙就看不到你的肖像... 谢谢你 照相机

之后是后印象派，很快油画就要变得让大伙有点看不懂了