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20 世纪 进入摄影艺术时代

1900 柯达 摄影普及

摄影被当作一种艺术形式是在20世纪初创始时。随后还出现了一个新名词“画意摄影”，用来描述那些在风格上模仿绘画的摄影作品，比如通过使用柔焦和棕褐色调成像的照片。美国和欧洲的摄影师各自组成协会，举办照片展览来推广这种艺术形式，宣扬摄影是一种呈现社会真相、自然写实的艺术品类。纽约的“摄影俱乐部”就是这样的一个协会组织。1899年，摄影师中的先驱前辈阿尔弗雷德·斯蒂格里茨 (1864—1946) 便在该俱乐部所在的场地举办了他的首次个人作品展。不过，斯蒂格里茨对此次个人展并不满意，因为当时的任何艺术展，评判者基本上都是画家而非摄影师，所以他决定再组织一场展览，只邀请摄影师同行对展品进行评判。他创立了一个叫做“摄影分离派”的团体

现实主义，精确主义和地方主义

20 世纪 先 1 一战 很快又是 1933 经济大危机

理性带来有效率的杀戮和死亡 所以，这一切真的值得吗，如果世界疯狂，我们又何必那么严肃？如果我们真的很快就会死，甚至作为一个物种而消失，这种残酷的现实，又该如何表现。更重要的是，画不过照相机了，艺术家如何找到自己的饭碗。失去土地，住在城市里的人，他们的生活，由什么来表现。

题外话，浪漫主义的梦只是一个故事，不是你自己。可怕的也不是传说的鬼怪，是我们的潜意识，唉弗洛伊德。

美国人和欧洲 say 拜拜的过程

垃圾桶画派 爱德华霍珀

地方主义

欧洲哥特式 伍德

这是美国艺术史上最著名、被戏仿次数最多的画作之一，常被称为“美国的《蒙娜丽莎》”。

《美国哥特式》 (American Gothic)

• 画家：格兰特·伍德 (Grant Wood, 1891–1942)

• 年份：1930年

• 流派：区域主义 (Regionalism)

• 现藏地：芝加哥艺术博物馆 (Art Institute of Chicago)

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1. 🏠 为什么叫“哥特式”？

这幅画的标题并不是指画中人物很“哥特”（黑暗或恐怖），而是指他们身后的那栋房子。

• 灵感来源：1930年，伍德在爱荷华州的埃尔登 (Eldon, Iowa) 开车时，偶然看到了一座白色的小木屋。

• 木匠哥特式 (Carpenter Gothic)：这座房子最引人注目的地方是二楼那扇尖拱形的窗户。这种源自中世纪欧洲大教堂的哥特式窗户，却被安在一个简陋的美国乡村木屋上，这种建筑风格被称为“木匠哥特式”。

• 画家的想法：伍德觉得这种搭配非常有趣且自命不凡，他开始想象：“什么样的人会住在这样的房子里？”

2. 👨‍🌾 画中的两个人是谁？

这幅画经常被误解为描绘了一对夫妻。

• 真实关系：伍德设想他们是一位父亲和他的老处女女儿 (a father and his spinster daughter)。

• 模特：

  • 男士：是伍德的牙医，拜伦·麦基比医生 (Dr. Byron McKeeby)。

  • 女士：是伍德的亲妹妹，南·伍德 (Nan Wood Graham)。

• 并不是合影：这两人其实并没有站在一起当模特。伍德是分别画了他们，然后把它们拼在画面里的。

3. 🖌️ 细节与象征

伍德深受北方文艺复兴（如扬·凡·艾克）技法的影响，画风极其细腻、平滑，细节严谨。

• 干草叉 (Pitchfork)：

  • 這是画面的视觉中心。它象征着艰苦的劳动。

  • 视觉回声：请注意干草叉的“U”形线条，它在男人的背带裤缝线、他的衬衫条纹、甚至那扇哥特式窗户的窗棂上反复出现。这种重复赋予了画面极强的秩序感。

• 表情：两人表情严肃、僵硬，甚至带有一丝防备（男人直视前方，女人看向侧面）。这传达了一种清教徒式的严谨和坚忍。

• 植物：女人身后的植物是虎尾兰（俗称“岳母舌”）和秋海棠，暗示了家庭生活的秩序。

4. 🇺🇸 核心争议：讽刺还是赞美？

这幅画之所以伟大，在于它的多义性。当它在1930年大萧条初期展出时，引发了激烈的争论：

• 解读 A：讽刺 (Satire)

  东海岸的评论家最初认为这是对美国中西部乡村生活的嘲讽。他们认为伍德在讽刺那些狭隘、保守、顽固、甚至带有原教旨主义色彩的乡巴佬。

• 解读 B：致敬 (Homage)

  随着大萧条 (Great Depression) 的加深，人们的解读变了。这幅画开始被视为美国精神的象征。这种坚毅、不苟言笑、勤劳肯干的形象，成为了美国人在困难时期坚持下去的心理支柱。伍德本人也声称他是出于对他家乡人民的尊重。

5. 🌟 历史地位

作为美国区域主义的代表作，它是对当时欧洲流行的现代主义（如毕加索的抽象）的一种反叛。伍德主张美国画家应该画自己熟悉的事物——美国的土地和人民。

如今，《美国哥特式》已经超越了艺术本身，成为了一个文化符号。无论是动画片、电影还是广告，只要两个人拿着一把叉子站在一起，每个人都能立刻认出这是在致敬这幅画。

现实主义

《夜鹰》 (Nighthawks)

这幅画是美国艺术史上最著名的图像之一，也是爱德华·霍珀 (Edward Hopper) 的绝对巅峰之作。

《夜鹰》 (Nighthawks)

• 画家：爱德华·霍珀 (Edward Hopper)
• 年份：1942年
• 流派：美国现实主义 (American Realism)
• 现藏地：芝加哥艺术博物馆 (Art Institute of Chicago)

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🌃 核心主题：都市的孤独 (Urban Isolation)

这就是那幅关于“孤独”的终极画作。

画中描绘了一个深夜的街角餐厅（Diner）。透过巨大的弧形玻璃窗，我们看到里面有四个人：

1. 一对夫妇：虽然坐在一起，但两人的手几乎没有触碰，眼神也没有交流，仿佛各怀心事。
2. 背对我们的男人：孤独地坐着，手里拿着杯子，我们看不到他的表情，他是城市中无数陌生人的缩影。
3. 侍者：虽然他在工作，但他似乎被困在这个柜台后面，与顾客之间也有一种疏离感。

霍珀捕捉到了现代城市生活的一个核心悖论：即便身处人群之中，我们依然感到彻底的孤独。

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💡 视觉分析：光与牢笼

1. 没有出口的房间
   这是这幅画最令人细思极恐的细节：你看不到这个餐厅的门在哪里。
   这使得这个明亮的餐厅看起来不像一个避风港，而更像是一个玻璃鱼缸或牢笼。里面的人出不去，外面的人（观众）进不来。这种封闭感加剧了画面的压抑和隔绝感。

2. 人造光的暴力
   霍珀痴迷于描绘光线。在这里，他使用了当时刚刚普及的荧光灯。

   • 这种光线苍白、刺眼，甚至带有一点诡异的绿色调（看天花板边缘）。
   • 这使得室内如同舞台般明亮，但这种光没有温度，它无情地暴露了人物的孤独，并与街道上死寂的黑暗形成了强烈的对比。

3. 极简的背景
   对面的红砖建筑和深绿色的商店橱窗空无一物。街道上没有人，没有车，甚至没有垃圾。这种“真空”般的寂静，让时间仿佛凝固了。

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🌍 历史背景：珍珠港之后

这幅画创作于 1942年1月，也就是珍珠港事件爆发、美国卷入二战的几周后。

虽然霍珀说他并不是有意画“战争的忧郁”，但当时整个纽约确实笼罩在一种末日般的焦虑和阴霾中。街道因为防空演习而灯火管制，只有这种通宵营业的餐厅发出孤立的光芒。

这幅画无意中记录了那个时代美国人内心的不安：在一个充满威胁的黑暗世界里，几个人聚在一起，却依然无法彼此安慰。

总结来说，《夜鹰》不仅仅是一幅画，它是现代人心理状态的写照。它美丽、安静，却又让人感到一种彻骨的寒意和疏离。

精确主义

1915-20~

精确主义运动在1915年左右破土萌发，20世纪20年代达致鼎盛。精确主义作品的特征为都市和工业题材、几何形体以及明确清晰的线条的运用，这些元素与立体主义 (见388页) 类同。查尔斯·希勒 (1883—1965) 自称其作品为精确主义，他身为现代建筑摄影师的经历也明显影响到绘画。他的《上层甲板》 (见右上图) 描绘的是美国军舰“庄严号”；画中的新军舰一尘不染，那精确的线条和白色色调的微妙变化让画面显得光亮通透，有一种非现世的感官特质。希勒和查尔斯·德穆斯 (1883—1935) 等人的其他精确主义作品还表明了“朴实本分”的美国工业建筑有着一种富于精神内涵的形式。

精确主义 (Precisionism) 是美国本土第一个真正的现代艺术流派，活跃于 1920年代到1930年代（两次世界大战之间）。

如果说爱德华·霍珀（Hopper）画的是美国现代生活的“孤独”，那么精确主义画家画的就是美国现代生活的“骨架”和“肌肉”——即摩天大楼、工厂、桥梁和机器。

他们也被称为“立体现实主义者” (Cubist-Realists)。

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🏭 1. 核心风格：像机器一样精准

精确主义没有正式的宣言，也没有严密的组织，但这群画家有着高度统一的视觉语言：

1. 极度干净、光滑：

   他们完全抛弃了印象派那种模糊、碎裂的笔触。他们的画面像照片一样清晰，表面光滑平整，几乎看不到笔触的痕迹。

2. 几何化的结构 (Cubism的影响)：

   受欧洲立体主义（Cubism）影响，他们将复杂的物体简化为纯粹的几何形状（圆柱、长方体、锥体）。但不同于毕加索把物体打碎，精确主义者保持了物体的完整性。

3. “机器时代”的崇拜：

   他们热爱工业。在他们笔下，工厂的烟囱、谷仓和摩天大楼不再是肮脏、丑陋的象征，而是现代的“教堂”和神庙。他们以一种近乎宗教般的虔诚描绘工业景观。

4. 没有人：

   精确主义的画作中几乎从不出现人。这是一个冷酷、理性、完美运转的机械世界，人类的踪迹被抹去了。

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👨‍🎨 代表人物与杰作

1. 查尔斯·席勒 (Charles Sheeler) —— 领军人物

席勒不仅是画家，也是一位杰出的商业摄影师。他曾受福特汽车公司委托拍摄工厂，这段经历定义了他的风格：像相机镜头一样客观、冷静。

• 代表作：《美国风景》 (American Landscape, 1930)

  • 内容：画的是福特汽车公司的红河工厂 (River Rouge Plant)。

  • 分析：画面中没有树，没有人，只有巨大的筒仓、烟囱、运河和铁轨。席勒将这个工厂描绘得极其整洁、寂静，像一座神圣的殿堂。这里的“美国风景”不再是哈德逊河派的山水，而是工业力量。

2. 查尔斯·德穆斯 (Charles Demuth)

德穆斯的风格更具装饰性和色彩感，他发明了一种用“射线”来切割画面的方法。

• 代表作：《我看见金色的数字5》 (I Saw the Figure 5 in Gold, 1928)

  • 地位：这是美国艺术史上最著名的画作之一。

  • 内容：这实际上是一幅“肖像画”，致敬他的诗人朋友威廉·卡洛斯·威廉斯（William Carlos Williams）的一首关于消防车的诗。画面中巨大的金色数字“5”在红色的背景（消防车）中层层推进，伴随着雨点和灯光。这表现了现代城市的速度感和声音。
    この作品はアメリカの詩人ウィリアム・カルロス・ウィリアムズに捧げたもので、彼の詩 The Great Figure(鮮やかな数字)が、タイトルとイメージの基となっています。詩にあるように、雨の街の街灯で照らされた道路を消防車No.5が大きな音を立てて走り抜けています。動きと音を暗示する断片化された形、言葉や線は、フランスのキュビズムとイタリアの未来派に由来しますが、都市を扱った主題、スケール感覚、角の鋭さなどはプレシジョニズム(精密派)の特徴です。

• 代表作：《我的埃及》 (My Egypt, 1927)

  • 内容：画的是家乡兰开斯特的谷物升降机 (Grain Elevators)。

  • 标题的含义：为什么叫“埃及”？因为德穆斯认为，这些巨大的工业混凝土建筑，就是现代美国的“金字塔”。它们是这个时代永恒的纪念碑。

查尔斯·德穆斯生命的最后十年大部分是在宾夕法尼亚兰卡斯特他父母的家中度过的，他把那里一个面向花园的房间变成了自己的画室。德穆斯是同性恋，还罹患糖尿病，但他一生交际广泛而游历过多地，因此有时候他觉得自己被困在兰卡斯特。尽管他对自己的故乡怀有深厚的感情，但他此前已经习惯了纽约的艺术和自由人文社交圈。要评价这幅《我的埃及》，就有必要了解德穆斯创作此画时患病和“囚禁”状态。

1927年，德穆斯开始创作一个作品系列，描绘家乡附近的现代工业建筑；呈现在《我的埃及》中的是伊希雷姆公司的谷物仓库。德穆斯将这座谷仓那简单的圆形构造与古埃及的建筑遗迹相比拟——图坦卡门的陵墓发掘于1922年，所以德穆斯的这个暗示类比也就快成为了当时的热议主题。他将宾夕法尼亚丰盛的农业收获与古埃及及作为罗马帝国角色的相关联。不过，此作另有一层潜在的含意。埃及曾是犹太人被困奴役的敌方，他们期待离开埃及，回到迦南乐土；德穆斯则寻求脱离病房，即画室的“囚禁”，因此有评论者将《我的埃及》解读为画家对他本人的追悼和纪念，在他感到死之将至时特意绘制。德穆斯可能也知道，在犹太文学中，“埃及”意味着肉体对于精神的局限和囚禁，这种囚禁只有死亡到来时才终止。1931年，惠特尼美国艺术博物馆的主管人购买了《我的埃及》。在这位主管人的信中，德穆斯写道：“我认为，这是我最好的东西之一。”

3. 乔治亚·欧姬芙 (Georgia O'Keeffe) —— 早期

虽然欧姬芙后来以画花和沙漠闻名，但她在纽约时期画的一系列摩天大楼，是精确主义的杰作。

• 代表作：《散热器大楼——夜，纽约》 (Radiator Building – Night, New York, 1927)

  • 她描绘了夜幕下灯火通明的摩天大楼，将其处理成庄严的黑色几何体，充满了都市的神秘感。

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💡 总结：美国的自我定义

精确主义之所以重要，是因为它标志着美国艺术的自信。

在此之前，美国画家大多在模仿欧洲。但精确主义者说：“看，我们有欧洲没有的东西——我们在建造世界上最高的楼、最大的工厂。”

他们将“写实主义”（美国的传统）与“抽象几何”（欧洲的现代主义）完美结合，创造了一种冷峻、清晰、歌颂秩序与科技的独特美学。